I Migliori Debut del 2018

La sorpresa più grande del 2018 sono stati loro, i Superorganism. Se li abbiamo scovati, recensiti, visti dal vivo e osannati fin dall’inizio dell’anno un motivo ci sarà. Il motivo è che il loro debut Superorganism è una delle cose più whatthefuck e strabilianti di sempre, nonostante duri soltanto 30 minuti. Iniziato come progetto del tutto a caso, gli artefici delle hit Something for your M.I.N.D. e Everybody Wants to Be Famous sono la prova vivente che nel 2018 basta un’idea fuori dal comune, qualche synth, delle grafiche in stile Super Mario Bros e tanto coraggio per farsi largo nel panorama musicale. Eclettici, caleidoscopici e innovativi sono solo alcuni degli aggettivi per descrivere Onoro, la sua gang e i loro intrippanti live. Non siamo ancora riusciti a capire cosa frulli in testa agli 8 componenti del gruppo, ma forse è proprio questo che ci attrae di loro. Quello, e il loro sito con balene, galassie e gattini.

Vi ricordate quelle caramelle frizzanti che giravano una decina e più di anni fa? Sapevano un po’ di fragola e benzina, ad alcuni facevano schifo, altri, me compreso, le adoravano. Bene, se quelle caramelle fossero un quartetto giapponese con un contratto discografico alla Heavenly Records, si chiamerebbero CHAI, ed il loro debut PINK sarebbe uscito proprio quest’anno. Proprio come allora, questo è un prodotto che semplicemente non può’ piacere a tutti: una scarica di bubblegum pop misto a punk, a metò fra l’effervescente kawai nipponico e i frenetici ritmi di aggressive chitarre anglosassoni, le CHAI sono, se prese nel modo giusto, una ventata di aria fresca e divertimento sfrenato. Decisamente qualcosa da provare anche per poter affermare di non esserne un gran fan, ma da poter consigliare agli amici quando chiederanno di consigliargli un po’ di musica che non sia sempre la solita solfa.

Se c’è una cosa in cui i francesi sono maestri, oltre ai croissant e la haute couture, è la musica elettronica e il giovane di Montpellier ne è un esempio. Prima di rilasciare il suo debut era già stato adocchiato da Les Inrocks, uno dei magazine musicali più importanti di Francia, e dal regista Guillermo Del Toro. La sua è un’elettronica pacata, contemporanea, cittadina, elegante, che abbandona i suoni acidi e corrosivi degli anni ’90, per concentrarsi su bassi vellutati che sembrano avvolgere in un sensuale abbraccio l’ascoltatore grazie anche una voce che alterna eterei e corali acuti a sincopi che richiamano all’hip hop più bassi e maschili. Basta la prima Love Song a far ondeggiare dolcemente e molto lentamente spalle e mani, fa calare improvvisamente il sole, in lontananza si intravedono riverberi rosa e rossastri nel cielo, un pre-dinner già in mano, e Parigi in un batter d’occhio diventa un enorme club a cielo aperto.

Pioniera della PC Music, Sophie Xeon ha ristrutturato il suo vecchio sound e si è mostrata per la prima volta al pubblico nel videoclip di It’s OK To Cry, un inno alla vita che ha anticipato il suo OIL OF EVERY PEARL’S UN-INSIDES (Future Classic / Transgressive, 2018), un album che è stato pensato per creare una comunità sicura, aperta e positiva di ascoltatori in cui potessero trovare il proprio io e affermarsi al di là dei limiti convenzionali imposti dalla società; sono nove tracce che rendono meno doloroso il rapporto tra il singolo individuo e il mondo, lo incoraggiano a preservare la propria identità di genere non sempre riconosciuta dalle altre persone. È un lavoro rivoluzionario non solo per il suo orgoglio queer ma anche per la proposta di una nuova forma di elettropop che può essere paragonata sommariamente ad un fluido in costante scorrimento, è una narrazione (spesso in un gradevole autotune) che si regge su frammenti di strutture melodiche sempre in tensione, è come un vaso di Pandora che scatena soluzioni disparate, è una forma d’arte di suoni industriali che riproducono il divenire energico della producer.

Siete ad un’esposizione di arte moderna nel centro di New York, luci soffuse, un gin tonic in mano, persone intriganti attorno: questa è l’atmosfera che si crea con whisper, prima traccia del debut album di Serpentwithfeet. In realtà, questo è l’intero vibe che caratterizza il primo album in studio dell’artista newyorkese, soil (Secretly Canadian / Tri Angle), in cui l’elettronica si fonde con il soul, creando melodie stratificate e leggere. In un mix di beat oscuri, atmosfere empiriche e testi affascinanti, le 11 canzoni del debut sembrano uscire da una collaborazione tra Frank Ocean e Bon Iver. Il battito si fa più lento, il ritmo più intenso e il corpo ondeggia da solo come per magia: la prima opera di Serpentwithfeet è una chicca da sfoggiare agli eventi mondani o semplicemente per quando si ha voglia di gustare della buona musica alternativa.

Prendete Laura Marling, una delle più quotate cantautrici folk moderne e Mike Lindsay, membro fondatore dei Tunng e stimato produttore. Chiudeteli in studio insieme. LUMP è il prodotto che otterrete ed è assai lontano da ciò che avreste immaginato di ottenere dalla collaborazione di due artisti così strettamente legati al mondo del folk. Si tratta di un lavoro sperimentale e sintetico distribuito su sette tracce (la conclusiva LUMP is a Product più che una canzone vera e propria andrebbe considerata come un mix tra un manifesto e una dichiarazione di intenti) nel corso delle quali la voce cristallina e al contempo distorta della Marling ci guida ci accompagna in universo robotico e onirico. Certo, non è un disco semplice da digerire e probabilmente non ve ne innamorerete nell'immediato, ma fidatevi di noi: concedetegli più di un ascolto e siamo certi vi conquisterà. Consigliato a tutti quelli che apprezzano il coraggio di sperimentare.

La prima volta che mi sono imbattuta in questa band di Cardiff fu lo scorso inverno, quando su The Most Radicalist, il blog inglese in cui vengono postati i pezzi di giovani band emergenti, spuntò un Face Behind Her Cigarette. Nome affascinante, che mi richiamava alla mente qualche bella in bianco e nero dei film francesi anni ’60. Ma non aspettative atmosfere puramente lisergiche o un rock n roll vecchio che strizza l’occhiolino ai primi Beatles, il debut è un melting pot di generi diversi, dovute anche all’influenza del parentado tutto musicale del frontman. Il risultato è un album piacevole e fresco, che alle chitarre graffianti di Loner Boogie interseca quelle più candide di ballad come Waitin’. Non sarà mica un caso se il gruppo è finito dritto in Radio BBC 6 e si è aggiudicato molteplici paragrafi tra i one to watch di quest’anno.

Quattro anni fa, Eliza Shaddad aveva pubblicato un EP con quattro brani; due anni fa, un altro EP con quattro brani. Ha fondato un circolo artistico per giovani donne e ha collaborato con produttori e artisti di ogni genere. Come mai non abbiamo mai sentito parlare di lei? Principalmente perche’, fino ad ora, Eliza ha solcato i palchi appiccicosi di piccoli pub londinesi, costruendosi una solida identità nella scena musicale underground inglese. In ottobre ha finalmente pubblicato Future, uscendo allo scoperto una volta per tutte. Un debut intimo, ma per nulla timido: Shaddad racconta con grinta di cuori spezzati, viaggi emotivi ed esperienze segnanti, come quella di essere l’unica donna della propria famiglia ad aver intrapreso la carriera da musicista. Uno sguardo al passato, un piede bello saldo sul presente e un disco che la lancia verso l’ignoto: che sia davvero il futuro del guitar indie britannico?

Il 2018 è stato un anno meraviglioso per chi nutre un amore particolare per le cantautrici malinconiche e Fenne Lily, ventenne di Bristol, rientra perfettamente nella categoria. Con il suo omonimo album di debutto ci regala una lettera aperta ai cuori spezzati, divisa in undici tracce tanto semplici e delicate quanto strazianti, proprio come la sua voce. La maggior parte dei brani ruotano intorno all’esperienza e al superamento di una rottura, ma anche al non avere paura di essere vulnerabili e alla consapevolezza che tutto è destinato a finire, ma non per questo è necessario sforzarsi di dimenticare né rimpiangere il passato. Consigliato a chi ha appena messo la parola fine ad una storia importante e ha bisogno di crogiolarsi nella propria tristezza.

Lindsey ha 19 anni, viene da Baltimora e, come le sue colleghe Julien Baker e Lucy Dacus fa parte dello squadrone Matador Records. Ma la cosa più importante è che sotto lo pseudonimo Snail Mail ha inciso Lush, riconosciuto all’unanimità come uno dei dischi più interessanti del 2018 (Rolling Stones lo ha definito “the work of an indie-rock prodigy”, insomma, mica roba da poco). E’ un disco lucente, fresco e vulnerabile, dove le padrone di casa sono le chitarre. Al centro troviamo una giovane donna che ha realizzato cosa significa essere lesbica e sta facendo i conti con una serie di storie d’amore naufragate; sullo sfondo la fine dell’adolescenza e una piccola stanza in cui scrivere canzoni. Consigliato a chi manca la propria adolescenza e a chi non l’ha ancora abbandonata del tutto.

Tamino Amir Mohamar Fouad è un ventiduenne belga di origini egiziane e sembra avere tutte le carte in regolare per essere the next big thing, basti pensare che Amir, il suo album di debutto, è stato pubblicato lo scorso ottobre ed è gia stato consacrato come uno dei lavori più interessanti dell’anno. Si tratti un disco brillante e potente, composto da dodici tracce che rimandano a grandi come Jeff Buckley, Radiohead e Nick Cave. Un lavoro dalle tinte cupe e malinconiche, che in alcuni brani sfociano in vera e propria tristezza, a cui però le melodie dai richiami orientali conferiscono luminosità e colore. Consigliato a chi subisce il fascino orientale ed è sempre alla ricerca di qualche nuova scoperta di cui vantarsi con i propri amici.

Della stessa pasta e luogo di origine, ma più temerarie e disincantate sono le Goat Girl, autrici dell’omonimo Goat Girl (Rough Trade, 2018). Le loro sono storie ciniche aventi come materia la questione femminile, raccontate con una certa naturalezza e un’asciuttezza testuale tremenda e cruda, espressioni di chi è stata abituata sin da bambina ad ingoiare molti rospi amari, i frutti del peso ingombrante della vita urbana. Con un ammaliante tono gipsy ardito e un folk inglese antico, il quartetto offre disparati esiti underground capaci di stringersi senza fronzoli nel rock psichedelico dei Khraungbin e nel post-punk tetro di Nick Cave e P.J. Harvey. Le diciannove tracce (di cui cinque strumentali) senza pause si aprono sui bassifondi, luoghi in cui non c’è alcuna forma di Stato, ma abiezione sfociata in turbe e frustrazioni. L’ascoltatore viene catturato dalla voce roca della cantante Clottie Cream, dal dolore degli spiacevoli incontri di periferia espresso con un violino piangente e dall’obiettivo della band di squarciare con veemenza il velo della menzogna sui fatti attuali, una forza e un’audacia esercitate su ritmi primitivi e su tipici assoli acuti dell’indie rock.

La prima volta che ho ascoltato i Magic Gang ricordo di aver pensato “Oh, mi ricordano gli Wombats”. Indovinate chi era la band di apertura agli Wombats a Berlino. The Magic Gang hanno un sound fresco, divertente, tipicamente british, con un retrogusto di rock californiano in stile Weezer (una delle loro maggiori influenze). Se i quattro ragazzi di Brighton avessero fatto uscire l’omonimo debut album 10 anni fa, probabilmente sarebbero stati inclusi nella colonna sonora di The OC accanto ai Death Cab for Cutie e Rooney. Hanno già conquistato palco dopo palco in tutta Europa, contagiando persino Torino e Bologna in ottobre con la loro energia. In attesa di rivederli presto, ci trovate a ballare sulle note di All This Way.

Lo abbiamo recensito qui come "la ricetta della torta di mele del guitar indie", e ci sentiamo di confermare questa descrizione. Il tanto atteso debut dei Black Honey non delude i fan e le aspettative, giocando bene sugli elementi che il quartetto di Brighton sa di saper fare bene ormai, dopo anni di attività fra pub inglesi e tour europei. È un sound versatile e ben costruito, che passa da riff coinvolgenti a ballate romantiche, con qualche intermezzo di 80s rock e synth pop che si sposa molto bene con lo stile di Izzy e le sue vocals a metà fra Debbie Harry, un film noir americano e uno Spaghetti Western. Non staranno certo riscrivendo le leggi della musica moderna, ma se siete in cerca di qualcosa di facile da ascoltare, carico al punto giusto e che vi intrattenga a pieno, i Black Honey non vi deluderanno di certo.

Irriverente, diretta, provocante: Natalie Chahal non passa di certo inosservata, tant'è che è conosciuta come MISS WORLD nel mondo della musica. Per costruire al meglio questo alterego molto originale, la cantante londinese ha ben pensato di mischiare chitarre distorte a grafiche super pop, sparandoci sopra testi tratti da hashtag di Instagram. Il suo disco di debutto, Keeping Up With Miss World, ritrae una realtà che si snoda sulle stories dei social: tra chirurgia plastica, appuntamenti online, droga e aspirazioni malsane, Miss World usa la musica per tentare di raccontare questo pazzo, assurdo mondo in cui ci troviamo. La bio della sua pagina Bandcamp recita: FREE FROM CONCENTRATES ALTHO MAY BE ADDICTIVE. Non potremmo essere più che d’accordo.

Gli Orielles sono un giovanissimo gruppo inglese formato da due sorelle (Sidonie B e Esmé Dee Hand Halford) e il loro migliore amico Henry Carlyle Wade. Probabilmente dopo una birra di troppo ad un festino, i tre hanno deciso di mettere in piedi una band dalle influenze alternative in pieno stile guitar indie. E finalmente, in mezzo a tutte le produzioni elettroniche, quest’anno hanno pubblicato la loro prima fatica, Silver Dollar Moment, firmato Heavenly Records per PIAS. E’ facile perdersi tra gli assoli di chitarra e ondeggiare a ritmo del basso che contraddistingue le 12 tracce del disco. Gli Orielles non si fanno mancare nulla: c'è spazio per le ballad mesmeriche (Sunflower Seeds), i synth patinati (Let Your Dog Tooth Grow) e i cori sbrilluccicanti (Mango). Da apprezzare un po’ alticci ad un classico festino fatto in casa.

Dalle ceneri dei Bees, Aaron Fletcher e Tim Parkin hanno fondato i 77:78. L’etichetta Heavenly Recordings non si e’ lasciata sfuggire l’occasione e a luglio ha messo la firma sul loro debut, Jellies. Non saprei trovare modo migliore di descrivere il disco se non gelatinoso, dai suoni morbidi ed offuscati da giri strumentali psichedelici. Si sente che c’e’ sotto lo zampino di chi ha anni di esperienza alle spalle, ma quello che stupisce e’ il calore che emanano le 11 canzoni del duo inglese: a primo ascolto, sembrano provenire dal deserto dell’Arizona piuttosto che dal freddo Regno Unito, lasciandosi dietro una zaffata di sensualità e toni bollenti. Consigliamo il singolo Love Said (Let’s Go) per saltare direttamente ad agosto senza passare per il via.

Qui ci troviamo di fronte a qualcosa di davvero particolare. Il supergruppo originato da Saul Ademczewskil, ex chitarrista del gruppo post punk Fat White Family, ha rispolverato la sua carriera dopo alcuni problemi personali che lo hanno portato a lasciare la sua band originale, con il side project Insecure Men, accompagnato dall’amico d’infanzia Ben Romans-Hopcraft, che qualcuno ricorderà, correttamente, come membro fondatore dei Childhood. Quello che i due hanno messo assieme nel loro omonimo, tristemente oscurato, disco è davvero qualcosa di fuori dal comune, l’unione del sound indie tipico di Ben e la creatività di Saul, risultando in melodie vintage pop sorprendentemente delicate e quasi fatate. È un disco esotico e in costante cambiamento, che passa dal synth pop, all'indie anni ‘80, a musica lounge a musica disco da ballo scolastico vintage. È un disco fragile e affascinante, a tratti complicato, certo, ma quanto di più artistico visto quest’anno da un gruppo ‘’emergente’’. Se amate sound fuori dal comune e spingervi oltre la vostra comfort zone musicale, Insecure Men è un disco che potrebbe regalarvi grandi soddisfazioni.

Interessantissimo debut per Gigante, questo Himalaya che si nutre di gorgoglii elettronici alla Iosonouncane e un tappeto di ukulele, la new wave e post punk che sposa l'indie folk. Un immaginario ben lontano da quello che sembra poter essere stato concepito nel sud d'Italia: siamo tra i sopravvissuti delle prime scalate dell'Everest, sentiamo le storie di schianti aerei e parliamo di Natura ostile, raccontati con la leggerezza dell'indie-rock. Into The Wild in una nuova chiave it-pop. Una ricetta unica che non sembra simile a nessuno, a tratti reminiscenze dall'Asia, un'oscurità devastante che i synth rischiarano solo a tratti, una malinconia a cui è impossibile sfuggire, e che il timbro di Ronny Gigante tinge di auto-ironia. Un disco invernale, fatto in casa, intimo, fatto per essere suonato, idealmente s'intende, nei rifugi antiaerei, indossando maglioni dalle fantasie imbarazzanti, vin brulè e abbracci prima dell'Apocalisse. Un caso unico in cui credere, da preservare dalle contaminazioni.

Nuovo capitolo per uno dei nomi sforna-hype della scena. Rimasugli di una scena emo smettono di condirsi di alt-country e indie-rock (come era successo con il procedente omonimo) e fanno amicizia con la trap, insinuandosi silenziosamente in tutta quella scena di Frah Quintale e simili, senza passare dal rap. Un disco che parla di depressione, di tutte quelle cose che so fare male, che magari non ci fossero, che son fermo da giorni senza fare niente, un malessere profondo e orfano che ti si radica dentro, che sono mesi che quando chiami non rispondo, e se ne esce banalmente con l'amore. Un disco che parla di quanto si stia male, maledetta adolescenza che non finisce mai, ma con l'autotune. Generic Animal è fuori da qualsiasi scena, e non sembra neanche volerci entrare, prende il meglio di qualsiasi cosa, persino dall'immobilità, e ci riesce alla grande. Sicuramente non sarà il lavoro migliore della sua carriera, e la produzione di Zollo fa sì che ci sia anche troppa roba per un ascolto che sia facile, ma c'è qualcosa qui dentro che sta per esplodere.

Sia il nome della band che del disco sono ingannevoli, ma questi quattro ragazzi sono più vicini di quanto pensiate, infatti provengono da Frosinone, anche se il sound richiamerebbe città più distanti e internazionali come Berlino o Londra. Internazionale infatti è l’aggettivo che più sintetizza questo disco. Ascoltandoli ci tornano in mente Lorde, i London Grammar, i Naked and Famous, tutti quei gruppi caratterizzati dal binomio voce-synth. Di synth qui ce ne sono in abbondanza, ma non sono quelli che ormai caratterizzano tutta la scena itpop, per una volta scordiamoci tutti questi richiami (velati e non) agli anni ’80, tingiamoli di colori scuri e abbandoniamoci a suoni pop più rilassanti e onirici. Se anche tu non ne puoi più della voce di Calcutta che riecheggia in radio e non hai mai avuto grande fiducia nella musica italiana e stai cercando quello spiraglio diverso dal solito, questo potrebbe fare al caso tuo.

Want to make some noiiiiiiise? Alla maggior parte di voi il nome non dirà nulla, tuttalpiù può riecheggiare il nome di una nota catena alberghiera. Il duo romano composto da Gabor e Bob Junior si inserisce nella scena underground (parecchio underground) italiana, un suono e una voce completamente DIY, sporchi, martellanti, spacca orecchie, rancidi e cistifellei, alla faccia dell’ITPOP. Non proprio immediato da ascoltare (consigliamo di cimentarsi innanzitutto con Dirty Town), Torbido è qualcosa di bizzarro e fuori da ogni schema, vicino al noise punk, che viene descritto come “More terror coming from the generous dump called Bel Paese” e “Acid Minimal Synth Punk from la capitale”.